海泽伍德：当现场有着信任的气氛，指挥家便能发挥，那并不一定是传统面对观众的表演形式。当人们感受拍子，便会在共振中共舞。就像参与演奏的视障音乐家一样，我们其实不须要互相看着彼此，这是一场感官体验，也是灵性交流──我们以某种奇特的「天线」连结。

海泽伍德：在南岸中心作伦敦首演时，乐团的弦乐组成员（即坐着的部分乐手）须在某段时间离开座位，进行我们称为「无限镜映」的舞步──排成一行互相模仿。就在此时，一位好奇的观众坐到了大提琴手的椅子上，显然她很想体验成为大提琴手的感觉。当该名大提琴手回到椅子旁时，该观众竟未离席，大提琴手只好站着演奏下一段音乐。我觉得这实在太奇妙了。

海泽伍德：这个让乐手与观众同在舞台的非典型音乐会，正展现了帕拉管弦乐团的理念与蓝图。这就是一个共融空间，艺术家不比观众重要。其实在任何表演中，观众的重要性与艺术家都是相等的。当坐在整齐的观众席上，看着远处被灯光照亮的舞台，听着震慑人心的乐团奏乐，难免会觉得乐手高高在上，对他们产生敬畏。但事实不然！他们一如你我，也会犯错。音乐就是爱，是观众与表演者交流的过程，缺一不可。所以《无边狂想曲》是在讲一个故事──一个极其重要、以爱诉说的故事。这个作品正延续乐团的理念与方向，始终如一。

海泽伍德：我希望他们会说「我们度过了一段非常美好的时光」，同时更勇于对任何事物提出「为什么」的好奇。毕竟，好奇心是人性中最美妙的部分，不是吗？没有了好奇心，我们不就等如丧失一种活力？正如费曼，他对「为什么」的深度追问远超于一般人所能想像。或许他就是物理学界的贝多芬或莫扎特，总是深入挖掘，让你看得见深度。他真是个天才，我对他的着迷，依然炽热。我更希望观众能感受到「差异」是人性的价值，而非诅咒。

鲍迪：舞蹈和音乐是同步创作的，但我在编舞时很大程度上是回应作品的主要概念，正是费曼的文字。我们真的想尝试将观众带到舞台上，去感受面向空无一人的观众席。作为一位艺术家，我并不善于应对被动的观众，尤其不喜欢那种「我在这里是为了娱乐你们」的设定，而是希望「我们正在展开一场对话或互动」。我希望让互动变得有意义，并让观众感受──而我们的确做到了。我也渴望所有人都能接触到一切，在每一场演出都感觉放松。同时希望轮椅使用者可以随心所欲地移动，因为我们平常去剧院时从来没有太多选择空间。选择都受场地的空间设计所限。所以某种程度上，这也是一种「自私」的愿望──「我想去哪里就去哪里」的自由。

鲍迪：磁铁、吸引力和排斥力这些科学思维着实很丰富，放在舞蹈中富有很大的探索空间。我会邀请舞者：「想像你的右手需要去排斥，左手则要去吸引」，让他们自行思考，如何在和其他舞者接触或在空间中移动时展现出来。我们也尝试让身体不同部位与地板之间作出吸引与排斥的动作探索。我认为这个演出做了一些其他作品不会做的事情，像观众能够上台参与较为鲜见，在舞台上转动马林巴琴也属罕见。整场演出非常依赖所有表演者的感官参与。而我相信每个人都会有不一样的体验，没有人会有完全一样的经历。因为当中一些人会参与、一些人则不然；有时音乐家会靠近一点，有时则不然；舞者亦可能会移动至你身边、绕着你转，因而大家所看到的东西不尽相同。我想创作让人有着真实肉体感受的作品──不是只能看或听，而是能「感觉到」的演出。在这意义上，它是非常人性化。

鲍迪：参与演出的舞者都是我长期合作的伙伴，有着「读懂观众」的能力，能敏锐地感应观众是否希望参与与互动，或只想单纯当个旁观者，静静享受这一切。两种方式都很好。在作出简介时，海泽伍德和我會强调这是一个「邀请」，不是强迫，但我相信观众会被气氛感染，在不知不觉间便参与了。我信任舞者能够「阅读」现场，给予观众最好的体验。